基于实践导向的编舞技法课程教学模式创新研究

一、研究背景及意义

（一）研究背景

随着文化产业的蓬勃发展，舞蹈艺术的 从传统剧场延伸至文旅演出、新媒体舞蹈、沉浸式戏剧、影视综艺等多个领域。据《中 22 年我国舞蹈编创相关岗位需求同比增长35%，其中72% 的用人单位 项目的实战经验”“能快速适配不同场景的编创需求”。然而，当前高校编舞技法 重动作技法传授，轻创作思维培育；重经典作品模仿，轻现实主题表达；重课 这种“闭门造车”式的教学，导致学生毕业后常面临“会编动作但不会做项目”“有艺术想法但不懂落地执行”的困境，难以快速适应行业需求。

作为高校舞蹈专业的核心课程，编舞技法不仅是“教会学生编舞”的技术课程，更是“培养学生用舞蹈表达思想、用创作解决问题”的能力课程。因此，打破传统教学的桎梏，构建以实践为核心、以行业需求为导向的教学模式，成为高校舞蹈教育改革的迫切任务。

（二）研究意义

本研究将建构主义、情境学习等教育理论与编舞技法教学的特殊性结合，突破“以理论为中心”的传统教学框架，丰富舞蹈专业“实践教学理论”的内涵，为同类艺术课程的教学模式创新提供理论参考。

2. 实践意义

通过具体的教学模块设计、实施路径与保障机制，为高校舞蹈教师提供可操作的教学方案，帮助学生在实践中掌握编舞技法的“活用法则”，提升其编创能力与就业竞争力，同时搭建高校与舞蹈行业的人才培养桥梁，实现“教学- 实践- 就业”的闭环。

二、传统编舞技法课程教学模式的现实困境

（一）教学目标模糊，“技法本位”取代“能力本

传统教学中，编舞技法课程的目标多聚焦于“让学生掌握动作发展、队形调度、节奏处理等基础技法”，却忽视了对“主题提炼能力”“场景适配能力”“团队协作能力”的培养。例如，在“动作动机发展”教学中，教师常要求学生模仿经典作品的动机转化方式，却未引导学生思考“该动机如何服务于主题表达”“在不同演出场景（如小剧场 vs 大剧场）中如何调整”。这种“只教技术、不教应用”的目标设定，导致学生编创的作品往往“技法工整但缺乏灵魂”，难以应对实际编舞项目的复杂需求。

（二）教学内容滞后，脱离行业发展与时代语境

一方面，教学案例陈旧。多数教材与课堂分析仍以 20 世纪经典舞剧（如《红色娘子军》《天鹅湖》）为主，对近年新兴的“新媒体舞蹈”“非遗融合舞蹈”“短视频舞蹈”等领域的编创逻辑、技术要求涉及较少；另一方面，内容脱离现实主题。学生编创多围绕“抽象情感”（如“喜悦”“悲伤”）展开，缺乏对社会热点、地域文化、行业委托项目的关注，导致作品“与市场脱节、与观众疏离”。例如，某高校2019 级学生编创作品中，仅有12% 涉及“乡村振兴”“传统文化活化”等现实主题，而这类主题恰是当前文旅演出、公益舞蹈项目的核心需求。

（三）教学方法单一，“教师主导”压制“学生主体”

传统教学多采用“教师示范→学生模仿→教师点评”的单向灌输模式，学生始终处于“被动接受”的地位。例如，在“队形编排”教学中，教师常直接给出“三角形→圆形→线性”的调度方案，让学生按图排练，却未引导学生思考“为何选择该队形”“队形如何与音乐、灯光配合”。这种方法不仅扼杀了学生的创新思维，还导致学生缺乏“自主解决问题”的能力— 一旦遇到“演出场地过小”“演员人数不足”等突发情况，便束手无策。

（四）评价体系片面，“结果导向”忽视“过程价值”

传统评价多以“期末一台作品”为唯一依据，评价标准聚焦于“动作流畅度”“队形整齐度”等表面指标，却忽视了学生在编创过程中的“调研深度”“方案修改次数”“团队贡献度”等关键维度。例如，某学生为编创“非遗舞蹈”作品，曾多次走访非遗传承人、整理一手资料，虽最终作品因排练时间不足略有瑕疵，却因评价体系“重结果、轻过程”而得分较低；反之，部分学生通过模仿经典作品完成的“工整之作”，却能获得高分。这种评价方式不仅无法客观反映学生的真实能力，还容易引导学生形成“重模仿、轻创新”的学习心态。

三、实践导向编舞技法教学模式的理论依据

（一）建构主义学习理论，让学生在实践中“主动建

建构主义认为，知识不是通过教师传授获得的，而是学习者在特定情境中，通过“主动探索、意义建构”形成的。在编舞技法教学中，学生对“动作动机”“队形调度”的理解，不应是教师灌输的“标准答案”，而应是通过“编创实践→遇到问题→解决问题”的过程自主建构的。例如，学生在为“校园毕业季”编舞时，会主动思考“如何用舞蹈表现毕业生的不舍与期待”“在体育馆场地中如何设计让所有观众都能看清的队形”——这一过程中，学生不仅掌握了编舞技法，还理解了“技法服务于主题与场景”的核心逻辑，实现了“知识的活学活用”。

（二）情境学习理论，在“真实场景”中培育实践能力

情境学习理论强调，学习的有效性取决于“学习情境与应用情境的一致性”。传统编舞教学将场景局限于“舞蹈教室”，导致学生在面对“剧场演出”“户外文旅项目”等真实场景时难以适应。而实践导向的教学模式，通过将教学场景延伸至剧场、非遗工坊、新媒体工作室等真实环境，让学生在“做中学”。例如，在“沉浸式舞蹈编创”教学中，教师带领学生进入美术馆展厅，让学生结合展品风格、空间结构设计编舞方案——这种“在真实场景中解决真实问题”的学习，能让学生快速掌握不同场景的编创规律，提升行业适配能力。

（三）成果导向教育（OBE），以“行业需求”反向设计教学

OBE 理念的核心是“以学生的学习成果为目标，反向设计教学内容与方法”。实践导向的编舞技法教学，正是以“舞蹈行业对编舞人才的需求”为出发点：行业需要“能做项目”的人才，便设计“真实项目模块”；行业需要“懂跨学科协作”的人才，便开设“音舞美融合课程”；行业需要“适应新媒体”的人才，便增加“短视频舞蹈编创模块”。通过这种“需求反向驱动”的设计，确保教学内容与行业需求高度契合，让学生毕业后能快速胜任工作岗位。

四、基于实践导向的编舞技法课程教学模式创新路径

一）教学目标重构，从“技法掌握”到“能力综合”

围绕“实践导向”，将教学目标分解为三个递进的维度，形成“基础- 核心- 拓展”的能力体系：

（二）教学内容创新，从“教材理论”到“项目实战”打破传统“章节式”教学内容，以“真实项目”为核心整合教学模块，实现“教学内容与行业需求的无缝对接”：

1. 模块一：真实项目驱动模块（核心模块）

与本地舞团、文旅景区、传媒公司建立合作，将“实际委托项目”引入课堂，让学生以“编创团队”的身份全程参与。例如，2022 年某高校与本地文旅局合作“乡村旅游节舞蹈编创项目”，学生团队需完成三项任务：1. 调研当地乡村文化（如民俗活动、传统技艺），提炼编舞元素；2. 针对旅游节“户外广场演出”场景，设计适合游客观看的队形与动作；3. 与景区工作人员沟通，协调演出时间、灯光设备等落地事宜。最终，学生编创的《稻田里的歌谣》不仅在旅游节成功演出，还获得了游客的广泛好评，部分学生甚至被文旅局邀请参与后续项目。

2. 模块二：跨学科协作模块联合音乐、美术、戏剧影视专业开设“跨学科编创工作坊”，让学生理解“编舞不是孤立的艺术”。例如，在“舞

剧片段编创”中，舞蹈专业学生需与音乐专业学生共同讨论“音乐情绪如何引导舞蹈动作”，与美术专业学生合作设计“舞台布景与舞蹈队形的视觉配合”。通过这种协作，学生不仅学会了“从音画视角优化编舞”，还培养了“团队沟通能力”——这正是行业编创中不可或缺的核心素养。

3. 模块三：新兴领域拓展模块

针对新媒体舞蹈、沉浸式舞蹈等新兴领域，开设专项教学内容，帮助学生抢占行业先机。例如，在“短视频舞蹈编创”模块中，教学内容包括：1. 短视频平台（抖音、B 站）的用户审美特点；2. 竖屏拍摄下的队形设计（避免“边缘演员出镜不全”）；3.15-30 秒内的“亮点动作设计”（提升观众停留率）。学生完成编创后，需将作品发布至平台，根据播放量、点赞量、评论反馈优化方案。这种“以市场为检验标准”的教学，让学生学会了“从观众视角做编创”，避免了“自说自话”的艺术误区。

（三）教学方法优化，从“教师主导”到“学生主体”

1. 项目式教学（PBL），让学生成为“编创项目的主人”

将整个学期的教学围绕一个“完整项目”展开，教师从“知识传授者”转变为“项目指导者”。以“校园舞蹈节编创项目”为例，教学流程分为五个阶段：

（1）项目启动

教师发布“校园舞蹈节编创任务书”（要求：主题积极、适合大学生群体、5-8 分钟、10 人以内），学生自由组队（3-5 人/ 队），确定选题并提交《项目计划书》；

（2）调研与构思

各团队围绕选题开展调研（如“校园抗疫”主题需采访防疫志愿者），形成《编创构思报告》，教师针对报告中的“主题提炼不足”“场景适配性差”等问题提供指导；

（3）编创与排练

在该阶段，学生需独立开展动作编创、队形结构设计及音乐素材筛选与剪辑，全程主导编创实践流程。教师不采用集中灌输式指导，而是以不定期巡查结合阶段性反馈的方式介入，重点针对两类核心问题提供专业建议：一是当出现动作语汇与主题表达脱节时，引导学生通过“动作动机串联法”梳理编创逻辑；二是面对排练进度滞后、效率偏低的情况，协助学生优化排练计划。通过该模式，既保障学生创作自主性，又能及时纠正编创偏差，减少无关联动作堆砌，强化舞蹈语汇的主题指向性。

（4）试演与修改

在学校小剧场进行试演，邀请同学、教师、剧场工作人员提出反馈（如“后排观众看不清队形”“音乐音量过大掩盖动作质感”），学生根据反馈修改方案；

（5）正式演出与复盘

在舞蹈节完成正式演出后，各团队提交《项目复盘报告》，分析“编创过程中的问题”“团队协作的经验”，教师组织全班进行成果分享。

通过这一过程，学生不仅掌握了编舞技法，还学会了“项目规划”“团队管理”“问题解决”等综合能力，实现了“从学生到准编创者”的角色转变。

2. 案例教学法，用“行业最新案例”替代“经典老案例”

摒弃传统“以经典作品为主”的案例选择，引入近年行业内有影响力的“实战案例”，让学生分析“编舞技法如何服务于项目需求”。例如，在“文旅舞蹈编创”教学中，分析舞剧《只此青绿》的“队形调度与空间叙事”—为何用“斜线队形”表现“山峦绵延”，为何用“圆形调度”营造“时空流转”；在“短视频舞蹈”教学中，分析博主“舞者李响”的短视频作品——为何选择“近景动作 + 特写表情”的编创方式，如何在 15 秒内抓住观众注意力。通过对这些“鲜活案例”的分析，学生能快速理解行业编创的“底层逻辑”，避免陷入“闭门造车”的误区。

（四）教学场景拓展，从“舞蹈教室”到“多元实战空间”

打破“教室边界”，将教学场景延伸至更贴近行业实际的空间，让学生在不同场景中积累实践经验：

1. 剧场场景

与学校剧场或本地剧院合作，定期组织学生在剧场进行编创排练与试演，让学生熟悉“舞台台口、乐池位置、灯光角度”对编舞的影响。例如，学生在剧场排练时发现，“后排观众看不清地面动作”，便主动将“地面动作”调整为“站立式动作”，或增加“上肢动作的幅度”——这种“在场景中解决问题”的经历，远胜于教师的口头讲解。

2. 非遗工坊场景

组织学生前往非遗传承基地（如剪纸、皮影、传统舞蹈工坊），让学生从非遗技艺中提炼编舞元素。例如，某学生从“剪纸镂空技法”中获得灵感，编创了《纸间舞》，用“肢体的开合、重叠”模拟剪纸的“镂空与拼接”，作品不仅获得了非遗传承人的认可，还在省级舞蹈比赛中获奖。

3. 新媒体场景

利用学校新媒体实验室，让学生学习“舞蹈短视频拍摄、剪辑、发布”，将编创作品发布至平台，根据观众反馈优化编舞。例如，某学生团队编创的“校园青春舞蹈”，最初因“队形过于复杂，竖屏拍摄时边缘演员出镜不全”导致播放量低，根据观众评论修改为“中心聚焦式队形”后，播放量提升了3 倍。

五、总结

本研究针对传统编舞技法课程目标模糊、内容滞后、方法单一、评价片面的困境，以实践与行业需求为核心创新教学模式。通过重构三维能力目标、设计真实项目等三大教学模块、采用 PBL 与案例教学法、拓展剧场等多元实战场景，有效解决学生“会编动作不会做项目”的问题。该模式不仅提升学生行业适配性与就业竞争力，还为高校舞蹈及同类艺术课程改革提供实践参考，成功实现“教学- 实践- 就业”的闭环。

参考文献：

[1] 陈若菡 ， 徐中秋 . 文化冲击在专业舞者留学中的叙事研究——以三位中国舞者为例 [J]. 北京舞蹈学院学报 ，2022（4）：102-111.

[2] 黄磊. 舞蹈即兴训练方法构建理念及其在编舞教学中的应用实践 [J]. 戏剧之家，2025（11）.