中华优秀传统音乐文化在高校通识课程中的传承路径

中华优秀传统音乐文化承载着丰富的历史与人文内涵，是民族文化的重要组成部分。然而，在当前高校教育中，传统音乐文化的传承面临课程设置单一、教学模式陈旧等问题。如何在通识课程中有效融入传统音乐文化，成为亟待解决的课题[1]。本文结合现状与挑战，探索切实可行的传承路径，以期为高校传统音乐教育提供理论与实践支持，助力文化基因的延续与创新。

一、中华优秀传统音乐文化融入高校通识课程的价值

中华优秀传统音乐文化历经数千年积淀，涵盖了民歌、戏曲、民族器乐、说唱等丰富形态，承载着中华民族的情感记忆、道德追求与哲学思想。将其融入高校通识课程，既是文化传承的时代要求，也是通识教育内涵发展的必然选择，具有多维度的价值意蕴。

就文化传承维度而言，高校作为文化传承与创新的重要阵地，肩负着传递民族文化基因使命。在全球化与信息化背景下，多元文化交织碰撞致使部分青年群体对传统音乐文化认知逐渐模糊，甚至出现文化认同危机。通过通识课程系统引入传统音乐文化以帮助学生深入了解其历史脉络与精神内核，像古琴曲中蕴含的“天人合一”理念、京剧艺术中“忠孝节义”的伦理表达等，进而实现增强对本民族文化认同感与自豪感筑牢文化自信根基之目的[1]。

就通识教育维度而言，其核心在于培养“完整的人”且强调知识综合性与人文素养培育。在此情况下，中华优秀传统音乐文化作为人文知识体系重要组成部分融入其中可丰富通识课程内容维度，毕竟传统音乐蕴含文学、历史、民俗等跨学科知识，像《诗经》中民歌与古代社会生活的关联、琵琶曲《十面埋伏》与楚汉相争的历史映射等，可以打破学科壁垒引导学生形成整体性知识观[2]。同时，传统音乐的审美教育功能有助于提升学生艺术素养，借助聆听、体验与感悟来培养其审美感知力与创造力以实现“以美育人”的教育目标。

从学生发展维度考量，传统音乐文化所蕴含的精神力量对青年成长有着积极引导作用。无论是陕北民歌所展现坚韧不拔民族精神，还是江南丝竹所流露温婉和谐生活态 皆可为学 情感共鸣与 值参照[2]。在通识课程接触传统音乐时，学生既能获得艺术熏陶又能汲取精神养分，进而形成健全人格与积极人生态度，与高校培养德智体美劳全面发展人才目标高度契合之态势。

二、中华优秀传统音乐文化在高校通识课程中传承的现状与挑战

尽管中华优秀传统音乐文化在高校通识课程中的传承具有重要价值，但当前其实际推进过程仍面临诸多现实困境，既有认知层面的偏差，也有实践层面的阻碍，需通过系统审视明确问题所在。

（一）传承现状的基本特征

近年来，随着国家对传统文化教育的重视，部分高校开始尝试在通识课程中融入传统音乐元素，呈现出以下特征：一是课程覆盖范围有限，多集中于综合性大学与艺术类院校，理工科院校的传统音乐通识课程设置相对匮乏；二是课程形式以理论讲授为主，辅以少量音乐欣赏，实践体验类内容占比不足，学生参与度较低；三是教学内容选取存在局限性，多聚焦于京剧、古琴、古筝等广为人知的艺术形式，对地方戏曲、少数民族音乐等小众类型关注不够，难以展现传统音乐文化的多样性；四是师资力量参差不齐，多数授课教师为音乐专业教师兼任，缺乏对通识教育规律与跨学科教学方法的深入把握，影响教学效果[3]。

（二）面临的主要挑战

首先，认知层面存在偏差。部分高校对传统音乐文化在通识教育中的价值认识不足，将其视为“边缘课程”，在课程规划中缺乏系统性设计，课时安排与资源投入有限。同时，部分学生受流行文化影响，对传统音乐存在“过时”“晦涩”的刻板印象，学习主动性不强，导致课程吸引力不足。

其次，课程体系缺乏整合。当前传统音乐通识课程多以独立选修课形式存在，与其他通识课程缺乏有机衔接，难以形成协同效应。课程内容多停留在知识普及层面，对传统音乐文化与现代社会的关联挖掘不够，未能引导学生理解其当代价值，导致文化传承与现实需求脱节[3]。

再次，教学模式创新不足。受传统教学观念影响，课程教学仍以“教师讲、学生听”为主，缺乏互动性与体验性。现代教育技术的应用较为滞后，未能有效利用虚拟现实、数字博物馆等手段增强教学的直观性与趣味性，难以适应“Z 世代”学生的学习习惯与认知特点[4]。

最后，评价机制单一固化。现有课程评价多以期末考核为主，侧重对知识记忆的考察，忽视对学生文化认同、审美能力与实践能力的评估，难以全面反映传统音乐文化传承的效果，也无法为课程改进提供有效的反馈依据。

三、中华优秀传统音乐文化在高校通识课程中的传承路径构建

针对当前传承过程中的困境，需从课程体系、教学模式、师资队伍、实践平台及评价机制等多个维度协同发力，构建系统完善的传承路径，确保中华优秀传统音乐文化在高校通识课程中落地生根、开花结果。

（一）构建多层次、立体化的课程体系

课程体系是文化传承的载体，需打破单一化、碎片化的现状，构建涵盖“基础认知—深度理解—实践应用”的多层次课程结构，满足不同学生的学习需求。

基础认知层面，面向全体学生开设如“中华传统音乐导论”这类通识必修课，系统介绍传统音乐历史发展、主要类型与基本特征以帮助学生建立对传统音乐文化的整体认知。其课程内容需兼顾代表性与多样性，涵盖京剧、昆曲、古琴等“雅文化”以及各地民歌、民间器乐等“俗文化”。同时，关注蒙古族长调、藏族囊玛等少数民族音乐，展现中华传统音乐的多元一体格局。

设置如“传统音乐与中国文化”、“戏曲艺术鉴赏”、“民族器乐专题”等的深度理解层的系列选修课，以引导学生从文化、历史、美学等多视角深入探究传统音乐内涵。例如，在“传统音乐与中国文化”课程里，通过结合儒家“乐与政通”思想分析宫廷音乐功能，以及结合道家“自然无为”理念解读古琴艺术审美追求的方式，让学生理解传统音乐与文化思想的内在关联[4]。而在“戏曲艺术鉴赏”课程中，则借助分析《牡丹亭》、《西厢记》等经典剧目来探讨戏曲中的文学表达与情感世界，达成音乐与文学的跨学科融合。

实践应用层开设“传统民歌演唱实践”、“民族乐器入门”、“戏曲身段体验”等实践类课程以提供学生动手参与机会。可依托学校艺术团或学生社团，并邀请专业演员或民间艺人指导，让学生于演唱、演奏、表演过程感受传统音乐魅力。例如，组织学生学唱陕北民歌《山丹丹开花红艳艳》体会其高亢奔放风格，还可以学习二胡曲《二泉映月》基本演奏技巧，理解乐曲蕴含情感内涵。通过实践将理论知识转化为感性体验以深化对传统音乐文化的理解与认同。

此外，需加强课程之间衔接与整合以推动传统音乐课程与其他通识课程联动。例如，在历史课程融入不同朝代音乐形态演变，在文学课程结合诗词与传统音乐关系（像词牌与曲调关联），在哲学课程探讨音乐审美与哲学思想互动，进而形成跨学科知识网络，增强传统音乐文化渗透力。

（二）创新互动体验式教学模式

教学模式的创新是提升传承效果的关键，需突破“灌输式”教学的局限，构建以学生为中心的互动体验式教学模式，激发学生的学习兴趣与参与热情。

一是强化情境化教学。利用现代教育技术创设沉浸式教学情境，例如，借助虚拟现实（VR）技术对古代宫廷乐舞场景、戏曲舞台表演现场予以还原，让学生“身临其境”感受传统音乐表演环境。借助数字博物馆资源展示古琴、编钟等乐器实物图像与演奏视频以增强教学直观性。同时，结合民俗文化创设教学情境，比如在讲解春节相关民歌时，播放各地过年民俗视频，使学生于文化语境中理解音乐内涵与功能。

二是开展项目式学习。围绕特定主题设计学习项目以引导学生分组探究，进而培养其自主学习与合作能力。比如设置“地方戏曲的现状与传承”项目，使学生选择某一地方戏曲（像越剧、川剧）。借助查阅资料、采访民间艺人、撰写调研报告、编排小型剧目等环节深入了解其历史、现状与传承困境。而在项目实施过程中，教师仅作引导者提供思路支持，由学生自主完成探究与实践，既深化对传统音乐文化的理解，亦提升问题解决能力。

三是引入“双师教学”模式。邀请民间艺人、戏曲演员、非遗传承人等参与课堂教学，并与高校教师形成互补。有民间艺人可现场展示诸如唢呐演奏、皮影戏配乐等技艺且讲述音乐背后的民间故事，戏曲演员可指导学生练习唱腔与身段并分享舞台表演经验[5]。这种“理论+实践”“学院+民间”的教学组合，能够打破课堂与生活的界限，让学生接触到鲜活的传统音乐文化，进而增强教学的生动性与感染力。

四是推动线上线下融合教学。搭建线上学习平台并上传课程视频、音乐素材、拓展阅读资料等供学生自主学习。设置线上讨论区，引导学生围绕“传统音乐如何创新”“流行音乐中的传统元素”等话题交流观点。同时，线下课堂聚焦互动体验组织音乐赏析、小组汇报、实践表演等活动，实现线上知识传递与线下能力培养的有机结合。

（三）建设复合型师资队伍

师资队伍是文化传承的核心力量，需打破单一专业背景的局限，培养既懂传统音乐文化又通晓通识教育规律的复合型教师，为课程实施提供保障。

一是加强现有教师的培训与研修。通过定期组织音乐专业教师参与通识教育理论培训，学习跨学科教学方法与课程设计理念，提升其通识教学能力。安排教师赴戏曲院团、非遗保护中心等机构挂职锻炼，深入了解传统音乐的实践形态与传承现状。鼓励教师参与传统音乐文化研究项目，像地方戏曲的历史考证、民族器乐的演奏技法研究等以增强自身的专业素养与文化底蕴。

二是组建跨学科教学团队。整合音乐、文学、历史、哲学、艺术设计等多学科教师资源，共同开发课程、设计教学内容。例如，由音乐教师负责讲解传统音乐旋律与结构、文学教师解读戏曲唱词文学内涵、历史教师分析音乐形态与时代背景关系来形成教学合力，进而为学生提供多维度知识视角。同时，聘请校外专家学者、非遗传承人担任兼职教师补充师资力量、丰富教学内容。

三是搭建教师交流与成长平台。通过定期举办教学研讨会、示范课观摩等活动，促进教师之间的经验分享与教学反思。设立教学改革项目来支持教师探索诸，如“传统音乐与现代科技融合教学研究”、“跨学科视角下的传统音乐课程设计”等传统音乐通识课程的创新路径，并且鼓励教师参与国内外传统音乐文化交流活动，从而拓宽学术视野、吸收先进的教学理念与方法。

（四）搭建多元化实践平台

实践是文化传承的重要环节，需突破课堂教学的局限，搭建校内校外联动、线上线下结合的多元化实践平台，为学生提供广阔的体验与展示空间。

在校内层面，依托学校文化活动资源，打造传统音乐文化品牌活动。例如，定期举办“传统音乐文化节”，开展包括民歌大赛、戏曲展演、民族器乐音乐会等在内的活动，让学生在参与策划、表演、组织的过程中深化对传统音乐的理解[3]。成立有民乐团、戏曲社、民歌小组等的传统音乐社团，在专业教师或校外专家指导下，开展日常排练与交流活动，培养学生的兴趣与特长。建设配备古琴、二胡、琵琶等民族乐器及戏曲服装、道具的传统音乐实训室，为学生提供实践操作场所。

在校外层面，加强与文化机构、社区的合作，拓展实践空间。与当地戏曲院团、音乐厅合作，组织学生观看演出、参与后台工作，近距离接触专业表演；与非遗保护中心、博物馆合作，开展“非遗进校园”活动，邀请传承人现场授课，组织学生参与传统音乐技艺的学习与传承；深入乡村、古镇等传统文化聚集地，开展田野调查实践，记录民间音乐的生存现状，采集民歌、民间器乐等一手资料，让学生在实地体验中感受传统音乐与生活的紧密联系。

在数字层面，利用新媒体技术搭建线上实践平台。鼓励学生运用短视频、直播等形式传播传统音乐文化，如拍摄“传统乐器小课堂”“民歌背后的故事”等短视频，在校园新媒体平台或社会短视频平台发布；组织线上传统音乐赏析会、云端音乐会，邀请各地学生与民间艺人参与，打破地域限制，扩大传统音乐的传播范围。通过线上实践，既提升学生的媒介运用能力，也推动传统音乐文化的当代传播。

（五）完善动态化评价机制

在评价内容上，兼顾涵盖认知维度（关注学生对传统音乐基础知识如历史脉络、艺术特征、代表作品等的掌握情况）、实践维度（考察学生演唱、演奏、表演等实践技能以及项目研究、社会调查等综合实践成果所体现的参与能力）与情感态度维度（侧重评估学生对传统音乐文化是否主动关注其动态、是否愿意参与文化传播活动等所展现的认同度与传承意愿）这几个方面。

在评价方式上，采用过程性评价与终结性评价相结合的方式。其中过程性评价贯穿课程始终，通过课堂参与、小组讨论、实践表现、线上互动等多方面对学生学习过程予以记录，如对学生戏曲体验课表现、田野调查报告质量进行阶段性评价这般[5]。而终结性评价注重综合能力考察，可采用多样化考核形式，诸如让学生策划一场小型传统音乐演出、撰写一篇关于传统音乐创新的研究报告、创作一首融入传统元素的现代歌曲等，以此避免单纯知识记忆考核。

在评价主体上，实现多元化参与。除教师作为主要评价者外，引入学生自评与互评，让学生在反思与交流中提升自我认知。邀请校外专家、民间艺人参与评价，比如对学生的实践表演进行专业点评，来增强评价的客观性与专业性。结合社会反馈进行评价，诸如学生线上传播作品的影响力、社区实践活动的认可度等方面，以使评价更贴近现实需求。

四、结语

中华优秀传统音乐文化在高校通识课程中的传承是系统工程，需认识其价值与意义，直面课程设置、教学模式、师资队伍等挑战。可通过构建课程体系、创新教学模式、建设师资队伍、搭建实践平台、完善评价机制等路径提供支撑。