杂技节目《大飞人》的叙事构建与编剧创新研究

一、引言

《大飞人》是高空杂技的代表性节目，以“高空秋千 + 空中飞人”为核心形式，通过演员在秋千与承接者之间的高空荡摆、腾跃、抛接，展现人体极限与精准配合，是杂技舞台上极具视觉冲击力的“硬核”节目。传统《大飞人》创作多聚焦“技巧难度”，如追求荡摆高度（可达8-10 米）、增加抛接次数（3-4次连续空中传递），却忽视编剧层面的叙事与情感设计，导致节目“有技无魂”，难以让观众产生深度共鸣。

随着杂技艺术向“剧式化”“IP 化”发展，编剧在《大飞人》节目中的作用愈发关键——需通过叙事串联技巧、用角色赋予动作情感、以主题提升节目内涵。本文结合笔者参与的《大飞人·逐光者》创作实践，从编剧角度解构《大飞人》的创作逻辑，为同类节目创新提供思路。

二、传统《大飞人》节目编剧层面的核心问题

（一）叙事结构缺失，技巧与内容脱节

传统《大飞人》多采用“线性技巧堆砌”模式，无明确的开端、发展、高潮、结尾：开篇直接展示基础荡摆，随后依次叠加“单人高空翻转”“双人抛接”“多秋千联动”等技巧，全程仅以“技巧难度升级”推动节目，缺乏故事线串联。例如部分节目中，演员从“单秋千荡摆”突然切换到“三秋千接力飞人”，无任何叙事铺垫，观众仅能感受到“惊险”，却无法理解技巧背后的意义，导致节目记忆点薄弱。

（二）角色塑造空白，演员沦为“技巧载体”

传统《大飞人》中的演员多以“统一服装 + 无差异化动作”呈现，无明确角色身份与性格：荡摆者与承接者仅作为“技巧执行者”，无情感互动（如眼神交流、动作呼应），也无角色成长（如从“新手”到“高手”的转变）。观众无法对演员产生情感联结，节目结束后仅能记住“高空抛接”的惊险，却记不住任何一个“角色”，难以形成情感共鸣。

三、《大飞人》节目编剧创新的核心路径

（一）构建“三段式叙事结构”，让技巧服务故事

借鉴戏剧叙事逻辑，将《大飞人》节目分为“开端 - 发展 - 高潮 - 结尾”四部分，每个阶段的技巧设计均围绕叙事推进，以笔者参与创作的《大飞人·逐光者》为例：

1.  开端（铺垫期）：设定“学徒（荡摆者）”与“师傅（承接者）”的角色，技巧以“低高度单秋千荡摆”“短距离抛接”为主，配合低沉的音乐与昏暗灯光，表现“学徒初练，紧张生涩”的状态，通过“师傅伸手引导”的动作，埋下“传承”的叙事线索；

2. 发展（成长线）：随着音乐渐强，秋千荡摆高度提升（从3 米升至6 米），技巧加入“单人空中转体 180 度”“师傅辅助接伞”，同时通过“学徒眼神从胆怯到坚定”“师傅点头鼓励”的细节，展现“学徒逐步突破自我”的成长，让技巧升级成为“角色成长”的外在体现；

3.  高潮（爆发期）：音乐达到顶点，灯光骤亮，技巧升级为“双秋千联动”“高空 3 次连续抛接”（高度 8 米），设计“学徒主动向师傅发起抛接邀请”的情节，此时技巧不再是单纯的难度展示，而是“学徒证明自我、师傅放心托付”的情感爆发点；

4.  结尾（升华期）：技巧回归“慢节奏双人共荡秋千”，配合温暖灯光与舒缓音乐，师傅将“发光徽章”（象征传承）交给学徒，两人相视微笑，以“低难度但高情感浓度”的动作收尾，完成“传承”主题的升华。

（二）塑造“差异化角色”，让演员成为“故事主角”

通过“身份设定 - 动作设计 - 细节刻画”三维度塑造角色，避免演员“千人一面”：

身份设定：明确角色关系与性格，如“祖孙档”（爷爷：经验丰富的老杂技人，动作沉稳；孙子：活泼好动的新人，动作灵动）、“搭档档”（姐姐：冷静的决策者，负责主导抛接；妹妹：勇敢的挑战者，负责空中动作），让角色有“记忆点”；

动作设计：根据角色性格设计差异化技巧动作，如“爷爷”的承接动作以“稳”为主（双手缓慢张开，幅度大），“孙子”的荡摆动作以“灵”为主（加入空中小幅度翻转，节奏快），让动作成为“性格的延伸”；

- 细节刻画：通过“道具”“表情”强化角色，如给“追梦少女”角色设计“带有羽毛装饰的演出服”（象征轻盈与梦想），在每次成功完成技巧后加入“抬手摸羽毛”的小动作，传递“坚定追梦”的情感，让观众对角色产生情感认同。

（三）挖掘“多元主题内涵”，让节目传递“时代温度”

结合时代背景与文化元素，为《大飞人》赋予更丰富的主题，避免“主题空洞”：

1.  结合时代精神：如围绕“航天梦”设计《大飞人·星际接力》，将“秋千”比作“火箭推进器”，“空中飞人”比作“航天员出舱”，技巧中的“高空抛接”设计为“传递航天样本”，配合太空蓝灯光与科技感音效，传递“探索未知、团结协作”的航天精神；

2.  融入文化 IP ：改编传统神话故事，如《大飞人·牛郎织女》，将“双秋千”设定为“天河两岸”，“空中飞人”设定为“牛郎跨越天河与织女相会”，技巧中的“抛接失败-重新尝试”对应“牛郎克服困难”，结尾“双人共荡秋千”对应“鹊桥相会”，让传统文化通过杂技叙事“活”起来；

四、编剧创新实践中的关键保障

（一）加强“编技协同”，避免“叙事与技巧脱节”

编剧需与杂技演员、导演深度沟通，确保叙事设计不脱离技巧实际：

前期参与技巧调研，了解《大飞人》的核心技巧（如荡摆角度、抛接安全距离），避免设计“无法实现的叙事情节”；

中期与演员共同打磨动作，如将“角色犹豫”的情感转化为“荡摆速度放缓”“手部微颤”的可执行动作，让“情”与“技”无缝衔接；

后期根据排练效果调整叙事，如发现“某段技巧难以承载情感”，及时简化叙事或调整技巧，确保“叙事为核，技巧为表”。

（二）注重“观众视角”，平衡“专业性与观赏性”

编剧创新需兼顾“杂技专业性”与“观众理解度”：避免过度追求“叙事复杂”，《大飞人》的核心仍需保留“高空技巧”的视觉冲击，叙事需简洁明了，让观众在感受惊险的同时，轻松理解故事；

五、结论

在杂技艺术“剧式化”发展的背景下，《大飞人》节目已不再是单纯的“技巧展示”，而是需要通过编剧赋予其“故事、角色、情感”的艺术作品。从编剧角度看，创新的核心在于“以叙事串联技巧，以角色承载情感，以主题提升内涵”——通过“三段式叙事结构”让技巧有“逻辑”，通过“差异化角色”让演员有“灵魂”，通过“多元主题”让节目有“温度”。

这种创新不仅能提升《大飞人》的艺术感染力，更能为杂技编剧的专业发展提供方向：从“辅助者”转变为“创作者”，从“技巧编排”升级为“故事构建”。未来，随着“编技协同”机制的完善与观众需求的升级，《大飞人》等传统杂技节目将在“叙事创新”中焕发新活力，推动杂技艺术向“更高层次、更宽领域”发展。

参考文献

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